Aniversario del Gran Teatro del Liceu

Foto de Luis Fernando Rodriguez Imaz.
Convento de los Tinitarios Descalzos, en La Rambla

Amigos, no nos podemos olvidar hoy que un 4 de abril de 1847 se inauguró el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, una de las catedrales del arte lírico del mundo. Hay muchos datos y documentación donde acudir. Yo tengo un precioso libro que se editó en 1947 “Cien años del Liceo”. El precursor del que sería el actual Liceo fue D. Manuel Gibert, que en 1837 tuvo la feliz idea de fundar un pequeño teatro para celebrar funciones dramáticas, conciertos y bailes, se llamaría “Liceo Filodramático de Montesión”, con la pretensión añadidad de hacer la competencia al Teatro de la Santa Cruz. Surgió una competencia entre los seguidores de uno y otro, que se denominaron Cruzados y Liceístas. Los socios del Teatro de Montesión tenían la lógica ambición de ampliar sus actividades. No fue hasta abril de 1844 cuando la Junta Suprema de Enajenación de Bienes Nacionales otorgó a los socios del Liceo, el edificio que un día fue convento de los Trinitarios descalzos en La Rambla.

Foto de Luis Fernando Rodriguez Imaz.
Interior del Liceu

Fue el prócer benefactor, socio liceísta y presidente de su Conservatorio, D. Joaquin de Gispert y de Anglí el primer timonel de aquella empresa. Para procurar nuevos ingresos D. Joaquín tuvo la idea de crear otra entidad que colaborase con los socios propietarios que se llamaría “Auxiliar de la Construcción”. A través de esta sociedad se reunirían los fondos necesarios para la construcción de un nuevo teatro. En la sesión de 7 de diciembre de 1844 se constituyó la lista de señores, que tras sus aportaciones de dinero, se adjudicarían la propiedad de palcos y lunetas y se redactó el Reglamento Moderador de aquella suscripción. Entre aquellas personas estaba lo más selecto de la capital en cuanto a cultura y disponibilidades económicas. Fueron 56 nombres los precursores del actual “liceísmo” y suscribieron un capital de 20.000 duros. Entre ellos destacaban D. Joaquín de Gispert, D. Manuel Gibert y D. Manuel Girona. El más audaz, emprendedor y amante de las artes era el Sr. Gispert pero un gran impulsor fue el Sr. Gibert. Disponían de un primer solar, el del citado convento, pero había que adquirir más inmuebles y terrenos para agrandar el área que ocuparía el nuevo teatro. D. Manuel Gibert aportó 400.000 pesetas, a cambio de la concesión en propiedad de un palco y 24 butacas. Para recabar los fondos necesarios se abrió una suscripción pública de la mitad de las localidades del futuro edificio. Pero los barceloneses no respondieron en la forma esperada, aparte de los aferrados al tradicionalismo del Teatro de la Santa Cruz.
Liceu - mira al escenario
El coste gobal de las obras se valoró en principio en 1.660.000 ptas. Los primeros accionistas sólo aportaron unas 100.000 ptas., pero Gispert, dueño de una gran visión de los problemas y capacidad para resolverlos, montó otro precioso andamiaje, logrando que algunos capitalistas, más filantrópicos que comerciantes, tomasen a su cargo el resto necesario para la construcción del coliseo. Resuelto el asunto económico, a la vez que los sueños de D.Joaquín. Gispert, se procedió al derribo del antiguo convento y en fecha 11 de abril de 1845 se procedió a colocar la primera piedra del que al cabo de dos años sería el Gran Teatro del Liceo. ¿Quién fue el autor del proyecto? El propio Gispert, su hijo Federico, un maestro de obras muy ducho llamado Francisco Batllé y el arquitecto Francisco de Asís Soler. De entre todos ellos salió el primer plano. En septiembre de 1845 le sustituyó Miguel Garriga, que a raíz de unas discrepancias fue sustituído por el único arquitecto D.José Oriol Mestres. El día 26 de enero de 1847 se hizo una prueba acústica. Un caballero desde el escenario leyó algo a media voz. Pues bien, se oyó perfectamente desde cualquier posición del teatro. La orquesta, reducida, interpretó varios fragmentos operísticos, casi con sordina, que también fue captado en todos los pisos. después tocó el turno al alumbrado y a la lucerna de 140 mecheros, que no defraudó a los asistentes. El 18 de marzo se puso en marcha el reloj de la fachada. Finalmente el día 4 de abril de 1847 se procedió a la inauguración.Liceu - Panorámica desde escenario

En el cartel inaugural figuraba el siguiente programa : 1º.- Una brillante sinfonía del malogrado catalán Gomis. 2º.- La Compañía pondrá en escena el drama en tres actos y en verso, escrito expresamente para este teatro por el célebre literato don Ventura de la Vega, titulado : “Don Fernando el de Antequera”. 3º.- A continuación se bailará por doce parejas la “Rondeña”, compuesta por el maestro de bailes don Juan Camprubí y música de don José Jurch. 4º.- y última, “Il regio imené”, Cantata escrita en verso italiano por don Juan Cortada y puesta en música por don Mariano Obiols. Su ejecución está encargada a cantantes españoles, y dos de los principales papeles a la señorita Rovira y a don Juan Plá. Precio de las localidades : Palcos bajos, 100 rs. Id. de 2º piso, 80. Id. de 3º, 60. Id de 4º, 40. Las demás localidades a los precios marcados para el día de función lírica. Entrada general, 6 rs. La primera ópera que se representó fue Anna Bolena de Donizetti el 17 de abril de 1847.

 Liceu -Hall-Escalera

Liceu-salon-de-los-espejos
Salón de los espejos

Esta es una sucinta crónica literal del libro que se editó el día de Nuestra Señora de la Merced, 24 de octubre de 1848, “Cien años del Liceo”, libro conmemorativo de su primer centenario 1847-1947.

Liceu -Fachada y reloj

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¿Aimez-vous Brahms?

Ay, ay, ay, cómo me ha retrasado la Pascua. Bueno, aunque sea ya a última hora no voy a dejar de acordarme de uno de mis amores en música, el bonachón de Johannes Brahms, que tal día como un 3 de abril de 1897 fallecía en Viena a los 64 años.Composer Johannes Brahms and his magnificent beard.

Seguro que recuerdas aquella película protagonizada por Ingrid Bergman, Yves Montand y Anthony Perkins, basada en la novela de François Sagan y dirigida por Anatole Litvak , de título original  ”Aimez-vous Brahms” y que es España se tradujo por “No me digas adios”. Es la historia, que se desarrolla en París, de una mujer de mediana edad, Paula (Ingrid Bergman) se debate entre dos amores, uno maduro (Yves Montand), cuya relación es rutinaria pero al que se siente atada en un estatus social acomodado y  el otro con un joven (Anthony Perkins), el romance prohibido, que le moverá sus sentimientos, que es el que verdaderamente le amará sin reservas, pero que no es bien visto en la sociedad que le rodea y alimenta maliciosos comentarios. Paula se debatirá entre qué elección debe tomar.

Y a qué viene esto a cuento? Pues sencillamente porque la banda sonora está soportada por una maravillosa música de nuestro músico del día :  el tercer movimiento “poco allegretto” de su Sinfonía en Fa nº 3, compuesta en el verano de 1883, cuando Brahms tenía 50 años. Una melodía preciosa presentada por los violonchelos, cargada de un color muy evocador de sentimientos que cada uno hace suyos.

Aquí tienes esta preciosa música, en las prodigiosas manos de manos Wilhelm Furtwängler con la Filarmónica de Berlín, una grabación histórica:

El adolescente Brahms tuvo una existencia muy difícil. La situación económica de su familia era desastrosa y se veía obligado a tocar en varios tugurios sórdidos del barrio de San Pauli de Hamburgo, frecuentado por marineros borrachos que buscaban bebida y sexo. Afortunadamente pudo estudiar con el profesor Marxen con quien adquirió una formación muy sólida, tanto de piano como composición. Brahms tocaba de todo.

Cuando cumple 20 años van a ocurrir dos  un hechos transcendentales:

Brahms en 1853, con 20 años

1º. Conocerá al violinista Joseph Joachim,

que aunque era dos años más joven que Brahms atesoraba gran fama. Los dos jóvenes hicieron una amistad inmediata que se prolongó durante toda su vida, y viajaron por toda Alemania llevando su música e ideas por todos los escenarios. El gran Concierto de Violín en Re está dedicado a Joachim.

Schumann y su esposa Clara Wieck

2º. En octubre visitará a Robert Schumann en su casa de Düsseldorf. Schumann gozaba de un crédito y respeto musical en toda Alemania y estaba considerado como uno de los grandes del Romanticismo alemán, teórico, compositor, pianista, escritor y crítico que fundó uno de los primeros periódicos musicales, el Neue Zeitschrift für Musik en 1834, y también publicó el    Allgemeine Musikalische Zeitung

Brahms se presentó a Schumann con la intención de que conociese alguna de sus composiciones. Se sentó al piano y comenzó su Sonata en Do mayor.

Schumann, entusiasmado salió corriendo a buscar a su mujer Clara : <¡ven pronto, tienes que escuchar esto, es extraordinario, jamás oíste música semejante!>. Brahms continuó tocando una serie de obras hasta tal hora que la señora Schumann le invitó a quedarse a cenar. Este es el inicio de una amistad profunda, total, que duró toda la vida. Schumann moriría en 1856. Brahms estuvo hondamente enamorado de Clara, pero la viuda de Schumann, que era una pianista excepcional, tan importante como cualquier concertista de la época, declinó siempre, con dulzura máxima, las proposiciones de Brahms. Clara Wieck se dedicó a llevar la música de su marido por todos los escenarios con gran éxito.

Brahms seguiría dando conciertos por todo el territorio, una veces solo y otras con su íntimo amigo Joachim. De la colaboración con el violinista nacieron las famosas Danzas Húngaras. Su versión original es para piano a cuatro manos, aunque se hicieron diversas versiones y las que nos han llegado con mayor profusión son en su arreglo orquestal, que se deben a distintos compositores: Schmeling, Parlow, Hidas, Dvorak y sólo 3 de ellas al propio Brahms. Veamos un arreglo de la Danza húngara nº 7, para violín y orquesta con el fantástico Maxim Vengerov.

En 1862 Brahms se establece en Viena y ocupó el cargo de director de la Singakademie.   Su carrera continuó con una regularidad sin mayores sobresaltos, estrenando obras de todo género. A los 50 años ya tenía el aspecto físico con el que más le identificamos, su gran barba, aspecto pesadote, pantalones un poco caídos, rollizo y con un buen cigarro. Hizo grana amistad con Johann Strauss.Johann Strauss II and Johannes Brahms:

Los veranos solía pasarlos en el campo, en  pequeños pueblos, tranquilos, típicos de reposo. Así pasó los veranos de 1886, 87 y 88 en Thun, en Suiza, a orillas del lago del mismo nombre y también pasó otros veranos en el pueblo balneario Bad Ischl en los últimos años de su vida.

Le encantaban los niños y era típica la escena viendo al “tío Bahms” bajando por el camino hacia el pueblo, regalando algunas chucherías a los niños, dándoles algún kreutzer o asustándoles con alguna broma sin transcendencia.

Portrait of Johannes Brahms (Hamburg, 1833-Vienna, 1897), German conductor and composer. Vienna, Haydn-Museum

                                      Thun                                                                                   En su jardín

Con la cantante Alice Barbi en 1892

Aunque solterón a pesar suyo, con dos amores fallidos, Brahms gustaba de buena compañía y flirteos. Aquí le vemos en 1892 con Alice Barbi.

Brahms tuvo una vejez tranquila, con una situación cómoda y el respeto de toda la comunidad musical. La supuesta oposición entre Wagner y Brahms es más producto de sus seguidores o detractores. Ambos se profesaban respeto mutuo, si bien sus estéticas eran muy opuestas. El enfrentamiento más enconado se debe al crítico y escritor Eduard Hanslick que en un principio era un ferviente wagneriano,  pero después cambió de postura oponiéndose abiertamente a las formas dramáticas del autor de Tristán y pronunciándose a favor de las formas más puras de Schumann y Brahms.

En los últimos 6 años su producción se centra en la música de cámara, coral, canciones y piezas de piano de  formas más libres como son el intermezzo, la fantasía  y el capricho. Obras de profunda expresión e intimidad propia del reposo intelectual, madurez, experiencia concentrada y manifestación delicadamente personal.

De esta última etapa destaca su Quinteto en si menor para clarinete y cuarteto de cuerda Op. 115, es una de las obras de todo el repertorio camerístico más intensa, lírica, inspirada y romántica;  y las piezas para piano opus 116 a 119, son esencia pura  de un alma que repasa sosegadamente su existencia. Músicas otoñales de tintes brumosos, finos trazos y colores velados. He aquí una muestra, sólo el primer movimiento del Quinteto, que si pueda parecer un crimen conformarse con esta primera parte,  puedes optar por escucharlo completo eligiendo en las viñetas

Quinteto p/clarinete en si menor, Jerusalem String Quartet, Sharon Kam, Clarinet (13:15)

Intermezzo Op. 118 nº 2 en La mayor – Radu Lupu, piano (5:56)

The great German composer Johannes Brahms (1833 - 1897) later in life.:

El 7 de marzo de 1897 la Sociedad Filarmónica de Viena dirigida por Hans Richter ofreció la Cuarta Sinfonía en mi menor. Brahms estaba en el palco. Los músicos se levantaron al verle al igual que todo el público. No lo podían creer. Una tormenta de aplausos obligó a levantarse a Brahms no sin dificultad. Florence May escribía la crónica: <<las lágrimas corrían por la cara de Brahms, mientras se quedaba de pie en el palco, con el cuerpo enflaquedico, el rostro surcado de arrugas, la expresión tensa y  el cabello blanco>>. Después de cada movimiento el público los aplausos atronaban y se sacudían los pañuelos. Rara vez se presenció en Viena semejante demostración.

Aquel hombrachón, corpulento, se rendía al cáncer de hígado que le consumió y el 3 de abril de 1897 moría en Viena, Johannes Brahms,  a la edad de 64 años.

Nota.-  En una ocasión, a la salida de un concierto se me acercó una persona y me dijo que Brahms no tenía melodías! Le dije : Ya. Me dí la vuelta, escurriendo el bulto, y pensé que este buen hombre o estaba sordo o no estaba en sus cabales.

¿Demasiadas notas?

Se nos va a enfadar Sergio, si no nos acordamos hoy de él. Falleció el 28 de marzo de 1943, a los 69 años, le faltaba 3 días para los 70.

Rachmaninov_peinture 1925Y tenemos que tener un poquito de mano, que el Sr. Rachmaninov es muy propenso a las depresiones.

Cuando tenía 25 años  compuso la Sinfonía n.º 1 en re menor, Op. 13,  que se estrenó en San Petersburgo el 28 de marzo de 1897, bajo la dirección de Glazunov. Fue un rotundo fracaso; el público hostil y la crítica muy negativa.

Rachmaninov entró en una grave depresión y dejó la composición.  se sometió durante tiempo a tratamiento de hipnoterapia con el Dr. Nicolai Dahl, un reconocido neurólogo especialista en hipnosis, quien lo trataría hasta el año 1900 con excelentes resultados.  Durante este período  fue director de la Compañía de Ópera de Moscú con gran éxito, de tal forma que su nombre traspasó fronteras y recibió una oferta de la Royal Philarmonic Society de Londres para dirigir en Inglaterra.Royal Society Philharmonic of London

El caso es que los aires de Italia, el Mediterráneo, en un  viaje que realizó en 1900 le iban a sentar francamente bien. Comenzó a concebir un nuevo concierto para piano, el que sería una de sus obras maestras, el Concierto para piano y orquesta nº 2 en do menor, que tuvo su estreno en Moscú el 27 de octubre de 1901, actuando él mismo como intérprete,  dedicado al propio Dr. Dahl, con un inmenso éxito de crítica y público. Concerto Nº2 – 1º mov. Moderato maestoso – hasta 11:30) – 2º mov. Adagio sostenuto : (11:52) – (18:06) solo – 3º mov. Allegro scherzando: (21:52) – tema cantabile famosísimo (27:35, 27:47) , reprise del tema en tutti : (31:25) hacia la coda final. – (33:00).

He escogido una magnífica versión de hace 3 años por Denis Matsuev, un  gran virtuoso, que junto con Leonard Slatkin y la Sinfónica Estatal Rusa nos brindan una versión cuidada, expresiva y e explosiva. El video, de gran calidad, lleva los dos conciertos. Primero el 2º que se ha comentado y a continuación el terrible 3º en Re menor, que comienza en (33:37) (Allegro ma non tanto-Intermezzo, adagio y Finale Alla breve). Rachmaninov no puso más notas porque seguro que le faltó papel. “Mil notas al minuto”. Un auténtico “tour de force” para cualquier pianista. Seguramente el más exigente del repertorio.

Es de obligada mención respecto al Concierto Nº 3,  la versión de la reina del piano Martha Argerich grabada en directo con la Sinfónica de la Radio de Berlin dirigidos por Riccardo Chailly en diciembre de 1982 es de absoluta referencia, dinamita pura, y lo dejamos aquí :

Rachmaninov fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y 1906.Bolshói -Les Sylphides En todo el mundo le reclamaban para dar conciertos. A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta n.º 2,  escribiría obras maestras como su Segunda Sinfonía (1907), La isla de los muertos y sus Concierto para piano y orquesta n.º 3 y n.º 4 (1909), Las campanas (1913), y numerosas piezas para piano.

En  1909, realizó su primera gira estadounidense, ofreciendo  un concierto diario durante más de tres meses. Estrenó su tercer concierto para piano el 28 de noviembre en el New Theatre de Nueva York bajo la dirección de Walter Damrosh. En enero de 1910 lo repitió en el Carnegie Hall bajo la dirección de Mahler, que impresionó enormemente a Rachmaninov como director.

En 1917 a causa de la revolución rusa, Rachmaninov abadona su Rusia natal, instalándose a sus cuarenta y cuatro años, en 1918, y asentado en París. Rachmaninov es reclamado desde Estados Unidos, que supondría salida económica para él y su familia. Tras aceptar varias ofertas sobre giras de conciertos, firma en 1920 un importante concierto con la compañía de grabaciones “Victor Talking Machine Company”.Rachmaninoff-Disco 1921

En 1921 se compra una casa en Riverside Drive, N.Y.   Su música fue prohibida por el nuevo régimen en la URSS. Su tiempo transcurría básicamente como solista y director, dejando más apartada su labor de composición, aunque encontramos en su catálogo excelentes obras : Tres canciones rusas (1926), 42 variaciones sobre un tema de Corelli (1931), la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), su Tercera Sinfonía (1936) y algunos arreglos para piano.

En 1939 Rachmaninov se instala en Estados Unidos junto a su familiarachmaninov. Allí se dedica fundamentalmente a ofrecer muchos conciertos por todo el país. En 1940 escribió su última obra catalogada, las Danzas Sinfónica, una de las obras maestras de la música del siglo XX, obra más moderna en su lenguaje y de momentos de intenso lirismo. En 1942-1943 Rachmaninov realizó sus últimas giras de conciertos. Se compró una casa en Beverly Hills, donde moriría el 28 de marzo de 1943, a la edad de 69 años, víctima de un cáncer tardíamente diagnosticado.

Rachmaninov y Scriabin son los dos grandes compositores de piano rusos del siglo XX con transcendencia mundial. Rachmaninov es el exponente más evidente de la dimensión de concertista, cosmopolita y gran comunicador social. No inventa nada pero su música es enormemente original para el instrumento que domina de forma insultante. Su técnica es asombrosa, por sonido, color, organización de ideas y pensamientos que materializa con una eficacia y capacidad de llegar al oyente de forma directa e impactante. No sólo es la rutilancia y explosividad de su mecánica sino la capacidad de enviar un mensaje de sentimiento muchas veces estereotipado en conceptos bien conocidos, de melancolía, paisaje, vivencia, heroicidad, decadencia, fortaleza o hundimiento. Algo que al público le llega envuelto y domesticado para su comprensión intelectual.Pianista-Imagen teclado Sencillamente impacta de forma directa y se asienta en una sociedad ávida de sensaciones, en una clase que se instala en la burguesía desde el final del XIX hasta la primera mitad del siglo XX, que desea y adora al concertista. Un público que bien dice el gran especialista Piero Rattalino es <recuperado intelectualmente, desde los últimos Brahms y primeros Debussy, una recuperación, nos insiste el experto italiano muy certeramente, definida como el kitsch” familiar de la pequeña burguesía, que adquiere una dimensión concertística de comunicación social a través del concierto público de una burguesía cosmopolita>. Aquí Rachmaninov es único, un extraordinario especulador sonoro que sabe llevarnos a su terreno.

Preludios Op. 23, nºs. 7, 4 y 5 . Por Nicolai Lugansky, a quien vimos en Logroño hace 3 años :

 0:00 Op.23 No.7
2:27 Op.23 No.4
7:10 Op.23 No.5

Kioi Hall, Tokyo,  9 September 2004

Momento musical nº 4 en mi menor. Nicolai Lugansky :

¡Buen recuerdo!

(*) La Pascua me retrasó el recuerdo. Este corresponde al día 28, que no el 29 que quizá recibas. Disculpas.

 

Domingo de Pascua o Resurrección

Domingo de Pascua, de Resurrección o de Gloria, la fiesta en que se conmemora la resurrección de Jesús al tercer día de haber sido crucificado. Resurrection - Piero d'alla Francesaca La Pascua marca el final de la Semana Santa, en la que se conmemora la crucifixión y muerte de Jesús. A la Semana Santa le sigue un período de cincuenta días llamado Tiempo pascual, que termina con el Domingo de Pentecostés.  Resurrección - Icono ortodoxo

El Domingo de Pascua es una celebración que no se fija en relación al calendario civil. El Primer Concilio de Nicea (año 325) estableció la fecha de la Pascua como el primer domingo después de la luna llena tras el equinoccio de primavera en el hemisferio norte. La fecha por tanto, varía entre el 22 de marzo y el 25 de abril. El cristianismo oriental basa sus cálculos en el calendario juliano, por lo que su fecha se sitúa entre el 4 de abril y 8 de mayo.

Durante este día se celebran en distintos lugares del mundo procesiones religiosas, así como celebraciones litúrgicas. Las costumbres del Domingo de Resurrección varían en todo el mundo cristiano, pero la decoración de los huevos de Pascua es algo común en muchos países del mundo occidental.

El huevo de Pascua.

 

 

 

Huevos decorados.

El intercambio de huevos de Pascua de chocolate viene celebrándose desde hace poco más de ocho siglos y está muy extendido en Alemania,Eslovaquia, Italia, España, Polonia, República Checa; Argentina, Brasil, Chile, Estados Unidos, Bolivia y en ciertas zonas de Paraguay, Uruguay y Ecuador.  El hecho de asociar el huevo a la fertilidad y por coincidir la Pascua con la estación primaveral, estación fértil por excelencia, hace que se establezca por toda Europa como símbolo de la Pascua. De modo que rápidamente los pasteleros de época comenzaron a elaborarlos utilizando distintos ingredientes.

Primero fue el azúcar, luego el chocolate.Huevos de Pascua, decorados

                Huevo de Pascua de chocolate.

En los países de tradición ortodoxa se intercambian huevos de color carmesí para recordar la sangre de Cristo. Los armenios los vacían y los decoran con imágenes de Cristo y de la Virgen. Y en Polonia y Ucrania por Pascua, hacen obras de arte con cera fundida sobre su cáscara.

Nada como un buen Bach para escuchar en este domingo.  El Oratorio de Pascua BWV 249.

Monteverdi Choir – English Baroque Soloists  dirección : John Eliot Gardiner – Live recording, London, Proms 2013 –

Hannah Morrison, soprano – Meg Bragle, mezzo-soprano – Nicholas Mulroy, tenor – Peter Harvey, bass

1 Sinfonia
2 Adagio
3 Aria. Kommt, eilet und laufet
4 Recitativo. O kalter Männer Sinn
5 Aria. Seele, deine Spezereien
6 Recitativo. Hier ist die Gruft
7 Aria. Sanfte soll mein Todeskummer
8 Recitativo. Indessen seufzen wir
9 Aria. Saget, saget mir geschwinde
10 Recitativo. Wir sind erfreut
11 Chorus. Preis und Dank

El nacimiento del Impresionismo musical

 

Entre Juan Sebastián el día 21 y el Divino Sordo de hoy Herr Beethoven hemos ocupado el tiempo en estos días. Gran Ocupación. Pero se nos ha olvidado hoy un pequeño francés. Y no es justo. Hoy 26 de marzo también dejaba este mundo Claude Debussy.

Claude Debussy June 1908
Claude Debussy
June 1908

Otro gigante del siglo XX: <<sólo a Debussy podemos situarlo junto a Anton Webern en una misma tendencia a destruir la organización formal preexistente en la obra, en un mismo recurrir a la belleza del sonido por sí mismo, en una misma pulverización elíptica del lenguaj>>Así se expresaba Pierre Boulez. Es curioso. Debussy en sus años de conservatorio fue un acérrimo wagneriano, pues veía en el alemán al impulsor que echaría abajo toda la estructura armónica y tonal. Pero Francia es, era, muy francesa y sostenía una expresión musical en una aristocracia sonora, moderada, sutil, suave. Berlioz pesaba mucho, su estilo romántico y melódico. Por lo que la feroz intrusión y progresiva del cromatismo que imponía Wagner y su Tristán obligaba a Debussy encontrar un lenguaje musical opuesto al pathos wagneriano. Debussy asistió al festival de Bayreuth en 1888 y 1889 y desde entonces se convirtió en el estandarte de los wagnerianos. A la música de Debussy se la ha calificado como el comienzo del Impresionismo. Desde luego va con retraso respecto al movimiento pictórico. Su música tiene formas introspectivas y hay que tratar de encontrar, o dejarse llevar, con un mínimo de esfuerzo hacia el fondo de la obra, en la que aparentemente no se oye todo lo que dentro hay y se expresa la máxima emoción con un mínimo de sonidos. Pequeñas células, polirritmias, tiempos y ritmos rotos, acordes de séptimas, novenas, disminuidos y aumentados renunciando a una brutal disonancia.

Debussy con su “Preludio a la siesta de un fauno” marca una vía nueva de sugestivo mundo sonoro.

Debussy - l'apres midi d'un faune - Nijinsky-1912
Debussy – l’apres midi d’un faune – Nijinsky-1912

 

 

 

 

 

Luego con su ópera Pélleas et Mélisande revoluciona el género. El canto es un recitativo continuo, múltiples diseños melódicos que nunca llegan a ser arias, armonías difusas y pasajes en se cuelan mil detalles e impresiones, ensoñaciones e ilusiones. Una orquestación exquisita, brillante, variada, refinada en la que toman parte muy activa los colores de las maderas y metales, ausencia de grandes frases y gran desarrollo y una consciente práctica de utilizar las disonancias sin resolverlas. La sugerencia, el perfume, el color queda en el aire a la expectativa del oyente. Debussy, se quiera o no, abre una puerta al futuro. Vamos a pinzar unas maravillas de Debussy – Images I & II, en la forma que nos propone el extraordinario y mágico Arturo Benedetti Michelangeli.
Así rendimos un homenaje a la memoria de Debussy,fallecido el 26 de marzo de 1918,

I 1. 00:17 Reflects dans l’eau 물의 반영 2. 04:57 Hommage a Rameau 라모를 찬양하며 3. 11:12 Mouvement 움직임 II 1. 14:45 Clothes a travers les…
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¡Lástima de Rüdesheimer, demasiado tarde!

              Dato previo : Viena, 24 de marzo  de 1827. Beethoven está agonizando en su casa de la  Schwarzspanierhaus.

En Viena no saben que aquí en España la Beethoven, habitación_hora de la verdad taurina es las cinco de la tarde. A esa hora de un día 26 de marzo como hoy, de 1827,  Beethoven a los 56 años de edad, dió su último estoconazo a la vida, al mundo al destino.

A diferencia del  torero que se perfila con el estoque con su brazo extendido y lo lanzan al morlaco describiendo un arco en descenso directo, hasta lo alto, en la cruz, Beethoven, también sobre las cinco de la tarde, lanzó su último estoconazo. Viena oscurecía envuelta en una tormenta de nieve. Un relámpago iluminó la estancia seguido del estruendo del trueno y en un último gesto el músico genial abrió los ojos, alzó su brazo derecho con el puño cerrado, directo al cielo, feroz y amenazador, con la mirada en lo alto durante unos instantes como desafiando a una suerte de poderes adversos, ¡marchaos, Dios está conmigo!. El brazo se desplomó, el hombre quedó con los ojos entreabiertos. “Yo le sostenía la cabeza con mi mano derecha mientras la izquierda reposaba sobre su pecho. Ya no pude sentir el hálito de su respiración, su corazón había dejado de latir”.

Teltscher-beethoven-Muerto

Así nos lo relata los últimos momentos de la vida del genio de Bonn Anselm Hüttenbrenner, su amigo compositor también, amigo común de Schubert, que  junto con Gerhard von Breuning, el hijo de su consejero Stephan von Breuning acompañaban a Beethoven. Fueron las dos únicas personas presentes en este doloroso tránsito. La cuñada del compositor,  mujer de su hermano Johann, también estaba en la casa.

Desde diciembre de 1826 Beethoven está grave. Sus órganos no responden bien y soporta episodios de gran sufrimiento. Aún así comenta a primeros de marzo de este año 1827  a sus más allegados que tiene muchos proyectos: un oratorio sobre Saúl y David,  la décima sinfonía, la Obertura al nombre de Bach, la música para Melusina, para Odyseus, para el Fausto de Goethe, un Requiem,  un quinteto encargado por Diabelli y un método para piano. Así lo relata Gerhard von Breuning.

Pero el destino está echado. El 23 de marzo el doctor Wawruch le revela que su fin está próximo. Beethoven le dice “haga llamar al cura”, se confesó y se dirigió a los que le rodeaban : ¡Paludite amici, comoedia est finita! Ese mismo día por la tarde Anton Schindler, Von Breuning y su hermano Johann le hacen firmar unos documentos, en especial un codicilo a su testamento por el que la tutela de su sobrino Karl debería a pasar a Von Breuning. Firmó con extrema dificultad y dijo ” ya está, no escribiré nada más”.firma de Beethoven

El día 24 recibe los últimos sacramentos al mediodía.

Al poco ocurre un hecho que sería su última alegría. El  22 de febrero le había encargado a Schott a Maguncia que le enviase unas botellas del rico vino Rüdesheimer, que tanto le gustó en su viaje por el Rhin en 1791. Un vino blanco dulce, generoso de 7º de Rheingau, un pequeño y agradable pueblo. El médico le había prescrito que tomase unos traguitos de buen vino! Y en aquel preciso instante un empleado del consejero Von Breuning entró en la habitación con una caja de vinos, el Rüdesheimer, de 1806! Le acompañan Anton Schindler, que rápidamente  Schindler puso dos botellas sobre la mesita cerca de la cama. El desahuciado enfermo las miró y dijo:Vino Rudesheimer-klosterberg

“Lástima, lástima de Rüdesheimer, ya es demasiado tarde” Fueron sus últimas palabras

El día 25 estuvo en coma y el 26 moría como ya se ha relatado.

El día 27 por la mañana algunos de los allegados empiezan a disputarse su protagonismo o intereses. Buscan el dinero de las acciones que Beethoven tenía destinadas a Karl. Finalmente llegó Karl Holz, violinista, íntimo amigo en que el músico había depositado más de una confidencia cuando fue deteriorándose la amistad con Anton Schindler. Holz fue al cajón secreto que Beethoven tenía. Allí estaban las tan buscadas acciones, el testamento de Heligenstadt, la carta a la “amada inmortal” y dos retratos, el de Giulietta Guicciardi y Maria Erdödy. Ambas fueron amadas profundamente por Beethoven, pero el misterio de la auténtica amada persiste.

El día 29 tuvo lugar el entierro al que acudió toda Viena.Beethoven_Funerals

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 “La música es una revelación más alta que toda moral o filosofía” (Beethoven)Beethoven_Portada del la primera edición del Cuarteto nº 13 Op..130

El Cuarteto Opus 130 en si bemol mayor consta de siete movimientos:

  • Adagio, ma non troppo – Allegro
  • Presto
  • Andante con moto, ma non troppo. Poco scherzoso
  • Alla danza tedesca. Allegro assai.
  • Cavatina. Adagio molto espressivo
  • Große Fuge: Overtura – Allegro – Fuga
  • Finale: Allegro

Escucha el 5º movimiento, “Cavatina”. Beethoven diría a  Holz  que había escrito esta Cavatina en lágrimas de melancolía.  “Abrumado, fatigado”, y añadió : “nunca mi propia música me había producido tal impresión”. Poca páginas necesitaron tantos borradores como esta Cavatina.  Schindler describirá esta Cavatina como “el monstruo de la música de cámara”.

La Cavatina (interpretada por el Cuarteto de Cuerda Budapest) fue elegida como la última pieza que sería reproducida en el “disco de oro”, una grabación de fonógrafo que contiene una amplia muestra de sonidos habituales de la Tierra, idiomas y música enviada al espacio exterior con las dos sondas Voyager. Estremécete:

y la versión completa por el Alban Quartet

Por mucho que me lo proponga no debo poner más que lo puesto. O eso o tendría que poner toda la obra. Busca tú, por favor la que quieras.

La música de Beethoven toma el centro de Bruselas en memoria de las víctimas.  La Novena Sinfonía de Beethoven ha sido una de las piezas clave del concierto, dirigido por Herve Niquet y con la colaboración del Flemish Radio Choir. Niquet ha explicado que el recital tiene como objetivo ayudar a los ciudadanos a sobrellevar la tragedia

http://www.abc.es/internacional/abci-musica-beethoven-toma-centro-4818348409001-20160326115000_video.html

La fatalidad de un cambio de viaje

 

Enric_Granados, en 1936(*)  El 24 de marzo de 1916, hace cien años hace moría compositor español a los 48 años de edad junto con su esposa, en el naufragio del vapor Sussex  que fue torpedeado por un submarino alemán en el Canal de la Mancha, a su vuelta del estreno de su ópera Goyescas en el Metropolitan de Nueva York

Enrique Granados es uno de los compositores españoles que formaron  aquella tríada gloriosa junto con Albéniz y Falla que, nacidos más o menos en el último tercio-cuarto del XIX, llevaron la música española fuera de nuestras fronteras interesando al mundo, no por exclusivos exotismos ni pintoresquismos, que en parte también, sino por sus señas de identidad y por su gran calidad. Habría que remontarse a la polifonía española del XVI-XVII, para encontrarnos con otra tríada formada por  Morales, Guerrero y Victoria de proyección universal.

Granados pasó dificultades económicas en sus principios que le obligaban a impartir clases como profesor particular y tocar en varios cafés de Barcelona. En 1883 ganó el concurso de la Academia para pianistas noveles, en el que interpretó la Sonata en sol menor de Schumann, en cuyo jurado estaban Albéniz y Pedrell.

España no le ofrecía buenas perspectivas de terminar sus estudios musicales, y en septiembre de 1887 se va a París. Allí tiene la oportunidad de consolidar su amistad con Albéniz, que había sido condiscípulo suyo en Barcelona, y de entablar amistad con los músicos franceses más representativos del momento, como Fauré, Debussy, Ravel, Dukas D’Indy y Saint-Saëns.  No obstante París no supuso una gran influencia en la música del joven compositor. En Francia la música atravesaba una fase de transición; influencias wagnerianas contra el Impresionismo, a la par que el conservadurismo de la Schola Cantorum en la que quizá Granados se encontró más cómodo. Granados mantuvo sus relación con París toda su vida pero el lenguaje musical francés no le influyó especialmente. El estilo maduro de Granados tendrá más aire de romanticismo tardío, tendencia hacia el cromatismo y un virtuosismo evidente.Granados1

En 1892 Enrique Granados conoció a Amparo Gal y Lloberas, hija del industrial valenciano Francesc Gal. Contrajeron matrimonio en 1893 en la Iglesia de la Mercé de Barcelona. Su primer hijo, Eduardo, nació en julio de 1894. Tendrían otros cinco: Solita, Enrique, Víctor, Francisco y Natalia.

En 1900 fundó en Barcelona la Sociedad de Conciertos Clásicos y un año después  la Academia Granados (después Academia Marshall). Esta Academia, que creará un estilo particular, fue dirigida por Granados hasta que se marchó a América. Después fue continuada por su discípulo, el pianista Frank Marshall, nacido en Mataró en 1883. La Academia Granados ha dado grandes nombres a la interpretación pianísica: Paquita Madriguera, Baltasar Samper, Alicia de Larrocha, Rosa Sabater y Conchita Badía, a quien consideró su segunda hija y quien estrenó varias obras suyas, algunas de ellas dedicadas.

Granados sentía una verdadera pasión por  Goya y el ambiente casticista que el pintor supo retratar. Consideraba a Goya como “el genio representativo de España” y poseía varias obras del pintor.  La inspiración que le producía su obra se materializó en  Goyescas”, dos cuadernos con el subtítulo de “Los majos enamorados” de siete  impresiones musicales, que tratan de describir la relación entre dos “majos” enamorados, Rosario y Fernando, hasta la fatal muerte de este que se le aparecería a la enamorada como un espectro.  Goyescas se estrenó en 1911 en el Palacio de la Música Catalana. La consagración mundial de Granados tuvo lugar con el estreno de Goyescas en la Sala Pleyel de París en 1914. Tan grande fue el éxito que se le concedió al músico la Legión de Honor de la República Francesa.

Quejas, o la maja y el ruiseñor, de Goyescas. por Alicia de Larrocha:

A raíz del éxito de la suite pianística Goyescas, la Ópera de París encargó a Granados una ópera. El compositor planteó la adaptación del material pianístico  en obra lírica y encargó a Fernando Periquet el texto. Granados se trasladó a una casa que el musicólogo Kurt Schindler le prestó en Suiza, donde terminó el trabajo. El estallido de la Primera Guerra Mundial paralizó el estreno parisino y fue el Metropolitan de Nueva York el que se ofreció para la primicia.

Llegaron a Nueva York el 15 de diciembre de 1916. Pablo Casals ya había dirigido los ensayos principales, y Granados y el famoso violonchelista ofrecieron un concierto en la Friends of Music Society antes del estreno de Goyescas unos días más tarde. Además, Granados grabó algunos rollos de pianola para la compañía Aeolian. Poco antes del estreno el empresario del Metropolitan dijo a Granados que, a su parecer, a Goyescas le faltaba un interludio. Granados escribió entonces la que fue su última composición, que luego se haría especialmente famosa.

Se estrenó el 28 de enero de 1916 en el Met. La primera ópera en español en el principal teatro de Norteamérica, emparejado con I Pagliacci de Leoncavallo donde actuó el mismísimo Caruso. Fue un éxito pero que no se mantuvo más de 5 días.

Los Granados pensaba regresar a Barcelona directamente desde Nueva York el 8 de marzo en un buque transoceánico de La Trasatlántica, pero aceptó la invitación del presidente norteamericano Woodrow Wilson para dar un recital de piano en la Casa Blanca y cambió los planes del viaje de vuelta, posponiendo el viaje 3 días. Granados con su esposaEsta vez el viaje incluía un transbordo en Inglaterra y un trayecto en tren: De Nueva York a Falmouth viajarían en el SS Rotterdam, de bandera holandesa, y desde Folkestone a Dieppe (Francia) en el Vapor Sussex, de bandera francesa. En Dieppe tomarían un tren con destino a Barcelona.

El matrimonio Granados llegó a Falmouth el 19 de marzo, dirigiéndose a continuación a Londres para visitar la ciudad. Enrique Granados tuvo además varios encuentros con empresarios británicos para proponerles la representación de Goyescas en Londres, pero éstos no se interesaron por el proyecto.

<El 24 de marzo el matrimonio abandonó Londres con destino al puerto de Folkestone, y embarcó en el vapor Sussex. La nave zarpó a las 13:15 con rumbo al puerto francés de Dieppe.  Hacia las 14:30 el Sussex fue detectado por el submarino de guerra alemán UB-29, que aparentemente lo confundió con un barco minador y hacia las 14:50 lanzó un torpedo que impactó en el medio del casco, partiendo al Sussex por la mitad. La proa del Sussex se hundió enseguida, mientras que la popa quedó a la deriva y fue remolcada posteriormente hasta el puerto de Boulogne. Según testigos oculares, Granados se lanzó al agua y fue izado al poco a bordo de una de las lanchas de salvamento. Pero al ver poco después a su esposa que aun sabiendo nadar se debatía entre las olas, se lanzó a rescatarla, sin que él mismo supiera nadar, y fueron engullidos los dos por el mar>(Cita Wikipedia)

El Sussex, torpedeado, donde viajaba Granados el 24 de marzo de 1916
Restos del Sussex en el puerto de Boulogne, 1916

Aquí acabó la historia de un consagrado músico español, Enrique Granados, a los 48 años y su amada esposa Amparo.

 *Nueva York no olvida a los artistas. El pianista catalán José Menor actuará hoy 24 de marzo en el Carnegie Hall de Nueva York en conmemoración del centenario de su fallecimiento. Es su primer recital en solitario en esta mítica sala de conciertos. Tocará completa la suite pianística que inspiró la ópera Goyescas, y otras piezas independientes suyas relacionadas con el mundo del pintor aragonés. Incluso Menor añadirá improvisaciones, una habilidad en la que el propio Granados era un consumado maestro.

José Menor.Pianista. Carnegie Hall. Centenario muerte Granados

En su música Granados combina la gran tradición romántica de Schumann y Chopin y el impulso del nacionalismo musical, tan pujante a finales del siglo XIX. No es un nacionalista a ultranza y no manifestó una especial atracción por lo catalán, sino más bien por los períodos clásico y romántico de España. El mundo de la tonadilla, el folclore urbano de Madrid y su admiración por Goya inspiraron sus trabajos más destacados. Sus mejores obras se encuentran posiblemente entre la producción pianística (Danzas Españolas y Goyescas) y vocal (Tonadillas). Su obra orquestal, como obra de concierto, no pasa más allá del Intermezzo de la ópera Goyescas,  aunque fue escrito en el último momento y por necesidades puramente escénicas, para salvar un tiempo muerto en el cambio de decorados.

(*) Esta reseña debería haber sido publicada ayer 24 de marzo, fecha del centenario de la muerte de Enrique Granados. Un olvido que intento reparar hoy 25. Como bien se dice se sabe todos los santos tienen novena.  Os diré que poseo un LP. copia de aquellas grabaciones originales de la Aeolian de Granados, y suena. (Me voy pitando a Viena)